열 명의 예술가, 열 편의 영화로 만나는 시대를 초월한 패션과 예술 이야기 초현실주의 패션에 영향을 준 살바도르 달리 패션디자이너가 사랑하는 고흐의 꽃 회화 피카소의 큐비즘과 만난 하이엔드 패션 시대를 선도하는 패션 디자이너들에게 영감을 준 위대한 예술가들의 작품과 삶, 그리고 사랑

머리말 시대를 초월한 에로티시즘의 화신 구스타프 클림트 〈클림트〉 창조와 혁신의 아이콘 파블로 피카소 〈피카소〉 세계적 패션스타일 아이콘 프리다 칼로 〈프리다〉 “나는 블루색 안에 노랑과 오렌지 색을 본다” 빈센트 반 고흐 〈열정의 랩소디〉 현대 그래픽 예술의 선구자 툴루즈 로트렉 〈물랭 루즈〉 빛과 색채 조화의 마술사 요하네스 베르메르 〈진주 귀걸이를 한 소녀〉 르네상스 초상화의 대가 한스 홀바인 〈천일의 스캔들〉 20세기 현대미술의 아이콘 앤디 워홀 〈팩토리 걸〉 카이저수염의 괴짜화가 살바도르 달리 〈불멸을 찾아서〉 낙서를 현대미술로 승화시킨 장 미셸 바스키아 〈바스키아〉 용어해설 참고문헌

p.19 이 시기 영국, 독일, 오스트리아에선 개혁의상이 크게 유행했는데 클림트는 바로 이 개혁의상의 선두 아티스트였다. 클림트는 곡선과 기하학적 형태인 원과 삼각형, 사각형을 이용하여 화려하면서도 장식적인 특징으로 여성복 옷감을 몽환적으로 디자인했다. 클림트의 그림과 에밀리 플뢰게가 디자인한 의상 패턴이 거의 같은 것은 클림트의 문양 디자인을 플뢰게가 차용했기 때문이다. 플뢰게는 클림트 회화에 나오는 의상을 디자인했고, 그녀 의상의 많은 부분은 클림트가 디자인한 옷감으로 이루어졌다. 클림트의 고객은 자연스레 플뢰게의 고객이 되었다.
두 사람의 개혁의상은 어깨에 하중을 실어 어깨서부터 자연스럽게 흘러 내려오는 실루엣을 기본으로 폭 넓은 소매가 특징이었다. 클림트가 작업복으로 즐겨 입었던 잠옷같이 헐렁한 푸른색 의상은 클림트가 직접 직물디자인뿐 아니라 의상디자인까지 완성했다. 1909년, 비엔나 신문은 클림트의 직물디자인이 부도덕하긴 하지만 매력적인 새로운 비엔나 여성을 태동시켰다고 보도했다.
_「시대를 초월한 에로티시즘의 화신 구스타프 클림트」

pp.38-39 피카소는 패션에 대한 견해가 남다른 화가였다. 그는 남들 눈에 띄는 것을 목표로 해서 아무도 입지 않는 복장 스타일을 즐겼다. 예를 들자면 커다란 양가죽 코트에 화사한 빨강 바지를 입고 투톤 색상의 구두를 신고 옅은 파랑 스웨터에 대비되는 핑크색 넥타이를 매치하는 식이다.
재킷도 평범한 핏은 멀리하고 아주 타이트하게 입거나 아주 헐렁하게 입어 일반적인 사람과는 동떨어진 색다른 멋을 즐겼다. 또 왜소한 체형을 크게 보이기 위해 입체적으로 재단된 셔츠를 즐겨 입었고 줄무늬 셔츠와 폴로셔츠, 브이넥 캐시미어 스웨터, 재즈풍의 타탄(체크)무늬 바지나 짧은 바지를 즐겨 입었다. 공식적인 자리에서는 영국 스타일의 의상을 좋아해서 스리피스 양복에 볼러 모자를 쓰고 지팡이를 들고 파이프를 물었다. 파이프와 베레모는 그의 중요한 의상 액세서리였다. 피카소는 예술가 중에서 역사상 가장 많이 사진을 찍은 사람으로 알려져 있는데 마치 영화배우나 정치가처럼 가짜 수염을 달고 카우보이 모자를 쓰고 인상을 찌푸리는 포즈를 취하길 즐겼다. 그는 의상을 통해서 자기 신화를 창조했고 자기가 입은 의상을 자신의 그림에 이용하기도 했다. 1915년에 그린 그림 〈파이프를 든 남자Man with a pipe〉는 자신의 의상 스타일을 분해해서 입체주의 그림으로 표현한 것이다.
_「창조와 혁신의 아이콘 파블로 피카소」

pp.61-62 프리다의 트레이드마크가 된 멕시코 전통 테후아나 의상은 크게 주름진 허리띠가 있는 긴 치마, 네모 형태의 블라우스, 땋은 머리와 꽃으로 장식한 헤어스타일의 세 가지 요소로 구성된다. 테후아나 의상은 프리다의 신체적 장애를 가려주는 효과적인 수단이었다. 여섯 살 때 소아마비를 앓아 오른쪽 다리가 제대로 자라지 못해 다리를 절었고 또 1953년 오른쪽 다리를 절단한 이후에는 의족까지 착용해 중증 장애인이 된 프리다는 신체적 결점을 보강하는 패션 수단으로 테후아나 의상을 이용했다. 패턴이 들어가고 주름진 허리띠가 있는 긴 드레스는 프리다의 다리를 가려주고, 살랑거리는 긴 치마의 움직임은 절뚝거리는 발걸음을 감추는 데 효과가 있었다. 이 스타일은 머리와 얼굴, 상반신에 눈길을 집중시켜 사고를 당해 장애가 있는 하체에서 시선이 멀어지게 했기 때문에 그녀의 매력적인 미모를 돋보이게 하는 이중 효과를 주었다. 그녀는 자수와 패턴이 들어간 강렬한 색상의 긴 드레스, 프릴 달린 앞치마, 프린지 장식이 달린 스카프, 수를 놓은 주름과 리본이 있는 머리 장식, 여러 가지 빛깔의 리본과 장신구를 부착한 정교한 헤어스타일 등 자신만의 독특한 방식으로 화려하게 외모를 꾸몄다. 롱스커트 안에 입은 페티코트(속치마)에는 멕시코의 음란한 속어들을 수놓아 강한 자기애를 표현하며 사람들의 주목을 이끌어냈다.
_「세계적 패션스타일 아이콘 프리다 칼로」

pp.83-84 특히 고흐의 꽃 그림은 패션디자이너들이 사랑하는 패션 주제다. 고흐는 1886년 파리로 거처를 옮기면서 꽃병 연작에 몰두해 1888년까지 40점이 넘는 꽃 시리즈를 제작했다. 모스키노의 패션디자이너 제레미 스캇은 2018년 봄/여름 컬렉션에서, 고흐의 1890년 작품 〈꽃병 안의 부케〉에서 영감받은 디자인을 선보였다.
고흐는 자신의 작업실을 해바라기로 가득 채우고 싶어 했을 정도로 해바라기를 좋아했고, 특히 노란색을 가장 좋아해서 해바라기를 주제로 마치 실제 꽃들처럼 생생한 질감을 나타낸 열두 점의 해바라기 그림을 그렸다. 〈해바라기〉 그림을 모티브로 한 생 로랑의 재킷은 오뜨쿠튀르 자수의 대가 르사주Jean-Fran?ois Lesage와의 협업을 통해 이루어졌다. 르사주의 해바라기 문양은 600여 시간에 걸쳐 무려 35만 개의 스팽글과 10만 개의 자개가 수놓아져 화제에 오르기도 했다. 이 재킷은 경매에서 5억 원에 낙찰됐다.
_「“나는 블루색 안에 노랑과 오렌지 색을 본다” 빈센트 반 고흐」

pp.157-159 1960년대 이후의 미술계를 선도하였던 워홀은 패션스타일에서도 시대의 흐름을 앞서 패션 리더로서 역할을 수행했다. 워홀은 패션 리더로서 시간과 장소에 따라 미묘한 개성을 추구하였다. 화려하고 강렬한 분위기의 작품들과는 다르게 그는 오히려 무채색과 클래식한 아이템을 선호했다. 특히 1963년에서 1968년까지의 더 팩토리 시기 워홀의 패션스타일이 세상에 유행하기 시작하였다. 오뜨쿠튀르 디자이너들은 워홀의 패션을 참고해 발표했고 워홀 룩은 젊은이들의 패션스타일에 영향을 주었다.
청바지와 블랙 재킷의 조합은 워홀의 패션에서 가장 먼저 언급해야 할 룩이다. 리바이스 501 청바지와 블랙 턱시도 슈트는 그가 가장 즐겨 입던 스타일이다. 이러한 그의 복장 때문에 블랙 상의와 진의 조합은 일명 ‘팩토리 룩’이라 불리며 아티스트들 사이에서 유행처럼 번졌다.
1970년대와 1980년대 워홀 룩이라고 불리던 이 차림들은 청바지에 셔츠와 넥타이 그리고 정장풍 재킷의 코디로 당시 라이프스타일을 반영하는 패션으로 인정받았다. 터틀넥과 스트라이프 티셔츠는 넥타이가 주는 압박감에서 벗어나 편안한 분위기를 연출하고 싶을 때 워홀이 애용했던 또 다른 아이템이다.
_「20세기 현대미술의 아이콘 앤디 워홀」

열 명의 예술가, 열 편의 영화로 만나는 시대를 초월한 패션과 예술 이야기 『패션, 영화를 디자인하다』, 『패션, 음악영화를 노래하다』 등을 통해 영화 속 흥미로운 패션 이야기를 들려줬던 진경옥 교수가 이번에는 패션과 영화 그리고 시대를 풍미한 예술가의 이야기로 돌아왔다. 르네상스 시대 최고의 초상화가로 손꼽히는 한스 홀바인부터 17세기 네덜란드를 대표하는 요하네스 베르메르, 빈의 대표화가 구스타프 클림트, 우리에게 너무나도 친숙한 고흐와 피카소, 현대미술을 대표하는 앤디 워홀과 바스키아에 이르기까지. 패션 산업과 패션 트렌드에 지대한 영향을 미친 열 명의 예술가와 그들의 생애를 담은 영화를 소개한다. 저자가 소개하는 〈열정의 랩소디〉, 〈물랭 루즈〉, 〈팩토리 걸〉, 〈불멸을 찾아서〉 등의 영화를 통해서 시대를 풍미한 예술가들의 비범한 인생과 예술에 대한 열정을 만날 수 있다. 예술가와 패션디자이너 협업의 시작, 구스타프 클림트 의료용 코르셋까지도 패션이 된 프리다 칼로 패션과 예술의 협업은 구스타프 클림트로 거슬러 올라간다. 클림프가 주축이 되었던 미술가 집단 ‘빈 분리파’는 회화·건축·공예를 아우르는 종합예술을 추구하여 예술과 생활을 밀접하게 만들고자 했다. 여성 의상에서 코르셋을 내던진 의상개혁 운동이 일어난 이 시기에 클림트는 개혁의상의 선두 아티스트로 곡선과 기하학 형태를 활용하여 화려하면서 장식적인 여성복 옷감을 디자인했다. 클림트는 그 자신이 독보적인 예술가이자 새로운 시대를 개척하는 패션디자이너로서 활동했다. 멕시코 예술의 아이콘이자 전 세계적으로 사랑받는 여성화가 프리다 칼로에게 패션은 강력한 자기표현의 방식이었다. 일자로 이어진 눈썹, 땋은 머리, 멕시칸 민속 스타일의 옷, 크고 요란한 장신구로 대표되는 프리다의 패션은 많은 디자이너들에게 차용되었다. 장 폴 고티에는 프리다의 환자용 보철 코르셋에 영감을 받아 마돈나의 콘 브라와 영화 〈제5원소〉의 붕대의상을 디자인했다. 고흐의 꽃 그림은 패션디자이너들이 특별히 사랑하는 주제이다. 고흐는 1886년 파리로 거처를 옮기면서 2년간 40점이 넘는 꽃병 연작을 그렸다. 제레미 스캇, 이브 생 로랑, 멀리비 자매 등이 고흐의 꽃 그림에서 영감 받은 패션으로 런웨이를 가득 채웠다. 피카소는 기하학적 패턴과 형태, 콜라주 의상, 과장된 형태로 패션계에 영향을 주었다. 특히 피카소 그림의 과장된 형태는 ‘파워 숄더’라는 이름으로 패션 트렌드에 커다란 영향을 미쳤다. 하이엔드 패션과 스트리트 패션의 경계를 무너뜨린 앤디 워홀과 바스키아의 예술 작품 20세기 현대미술의 아이콘 앤디 워홀은 일명 ‘워홀 룩’을 선보이며 패션 리더의 역할을 수행했다. 워홀이 가장 즐겨 입었던 리바이스 501 청바지와 블랙 턱시도 슈트는 아티스트 사이에서 유행처럼 번졌다. 뿐만 아니라 독특한 컬러감이 돋보이는 워홀의 팝 아트 작품은 디자이너들이 경쾌한 스타일을 연출할 때 즐겨 찾았다. 베르사체는 1991년 마릴린 먼로와 제임스 딘 얼굴이 그려진 워홀의 팝 아트 작품을 프린트한 이브닝드레스를 발표하였고 2018년 다시 한번 컬렉션에 등장시키며 워홀 작품에서 받은 영감의 영향력을 실감케 했다. 장 미셸 바스키아는 1980년대 초 미국 뉴욕 화단에 혜성처럼 나타나 그라피티와 추상을 오가는 자유롭고 에너지 넘치는 작품으로 슈퍼스타가 되었다. 바스키아는 심오함과 장난기를 넘나들며 텍스트와 그림, 만화와 순수미술, 음악, 해부학 등의 요소들이 버무려진 작품들을 남겼다. 그의 작품들은 엄숙한 미술관부터 시끄러운 슈퍼마켓, 하이패션부터 스트리트 패션에 이르기까지 어디에나 존재한다. 특히 MZ 세대를 겨냥한 캐주얼 스트리트 브랜드들은 왕관, 해골, 공룡, 레터링 등 바스키아의 상징적인 그라피티 아트를 제품 곳곳에 접목하여 출시하고 있다. 패션디자이너들은 명화 속 인물들이 걸치고 있는 옷이나 장신구에서 패션사를 읽어내고 새롭게 재현해낸다. 최근에는 과거의 시대 복식에서 영감을 받아 현대 의상으로 재해석한 작품들이 많이 발표되고 있다. 위대한 예술가들이 세상에 선보인 작품들은 시대를 초월하여 우리의 생활 깊숙이 들어와 있다. 이 책을 통해 시대를 뒤흔든 예술 작품들이 현대 패션에 얼마나 큰 영향을 미치고 있는지 발견하게 될 것이다.