1970년대 이후 한국 시각 문화를 ‘한글 타이포그래피’ ‘출판’ ‘행동주의’라는 세 축으로 분석한 연구서이다. 한국에 그래픽 디자인 개념이 본격적으로 도입된 시기로 본 1970년대 이후의 그래픽 디자인, 그중에서도 한글 타이포그래피와 출판 디자인의 문화사적 맥락과 디자이너들이 사회 문제에 적극 개입해온 행동주의적 실천을 다룬다. 16년간 디자인 저술가로서 활동해온 저자 전가경은 그동안 서구 그래픽 디자인사에 비해 평가되지 않았던 한국 그래픽 디자인사의 파편화된 사례들을 연결해 다층적이고 복합적인 한국 디자인사의 한 축을 구성하고자 시도한다.

저자 : 전가경 그래픽 디자인에 대해 연구하고 글을 쓰고 강의하며, 대구에서 ‘사월의눈’이라는 이름으로 사진책을 기획하고 만든다. 박사 논문 『잡지 『뿌리깊은 나무』 연구: 이미지와 텍스트의 관계를 중심으로』(2017)를 발표했고, 공백으로 놓여 있는 한국 그래픽 디자인 역사를 출판 기획 및 저술을 통해 채우는 데 관심이 있다. 『세계의 아트디렉터 10』 『세계의 북 디자이너 10』(공저) 및 인터뷰집 『펼친 면의 대화』 등을 썼고, 한국 시각디자인 역사의 단면을 담은 『한국의 90년대 전시 도록 xyz』와 『정병규 사진 책』, 이미지와 텍스트의 관계를 통해 지역성을 탐구하는 ‘리듬총서’를 기획했다. 2025년 전주국제영화제 《100 필름 100 포스터》 전시의 총감독을 맡았다.

서문 1 한글 타이포그래피 ① 기계화, 헤도니즘 그리고 가치중립 사이에서: 한글 탈네모틀의 세 가지 장면들 ② 포스터로 보는 2010년대 이후 다국어 타이포그래피 ③ 어떤 서적류의 차례 디자인 1953~1986 2 출판 ① 한국 잡지 아트디렉션의 작은 역사: 1980년대 잡지 『마당』 ② 오래된 젊음: 민음사의 북디자인 1966~2020 292 ③ 미술 출판의 가장자리에서: 한국의 1990년대 전시 도록 ④ 그래픽 디자인의 하부 구조 3 행동주의 ① ‘저공비행’으로서의 디자인 운동: 그래픽 상상의 행동주의 1997~2007 ② 1980년대 한국 여성주의 그래피즘 ③ 운동의 방식: 일상의실천 ④ 해방의 그래픽 디자인: FDSC 참고 문헌

책 『그래픽 크리틱』이 던지는 큰 질문이 있다. 한국의 그래픽 디자인은 과연 무엇인가. 이 질문이 궁극에 향하는 곳은 21세기 그래픽 디자인의 역할과 전 지구화된 환경 속 한국 그래픽 디자인의 자리이다. 오늘날 한국의 그래픽 디자인은 상향평준화되었을 뿐만 아니라, 1990년대 이후 출생한 인터넷 세대의 부상으로 그 시각 언어가 전 세계적 범용성과 호환성을 띠고 있다.
6쪽
「그래픽 디자인의 하부구조」는 출판 및 디자인 행위가 실은 인쇄 현장의 노동에 빚지고 있음을 상기시킨다. 1970년대부터 1980년대 말까지 한국의 인쇄술은 납활자에서 사진식자 그리고 디지털 인쇄로 격변했으며, 이 시기에 출판 산업 또한 급성장했다.
9쪽
지난 10년간 한국 그래픽 디자인은 페미니즘에서부터 성소수자 인권 운동에 이르기까지 그 힘을 가장 역동적으로 지탱해 나가고 시각화한 도구이자 언어였다. 페미니즘과 소수자 인권을 적극 문제 삼은 6699프레스와 햇빛스튜디오의 출판 활동, 페미니즘 리부트 이후 등장한 출판사 봄알람의 북디자인과 대전 기반 페미니즘 커뮤니티 보슈의 출판, 닷페이스의 온라인 퀴어 퍼레이드 기획과 한국 여성 디자이너의 존재를 최초로 전면화한 WOO에 이르기까지, 2010년대 중반 이후 한국 그래픽 디자인은 언제나 운동의 최전선에 서있었다.
9쪽
오늘날 탈네모틀은 그 어떤 시기보다 ‘가치 중립적’이다. 그것은 한자문화권으로부터의 해방도 아니요, 신세대와 전자 문화의 한시적 대변자도 아니다. 지금의 탈네모틀은 순수하게 조형적인 관점에서 각색되고 있다. 디자인 스튜디오 워크스가 탈네모틀 사용을 두고서 “기하학적인 서체”를 찾을 때 탈네모틀을 찾는다는 것은 2010년대 탈네모틀이 점유한 위상을 직간접적으로 설명한다.
69-70쪽
타이포그래피는 언어 경관의 습성을 그대로 물려받아 특정 시대의 언어 사용 패턴을 읽어낼 수 있는 흥미로운 장이다. 특히 두 문자가 교합해 나가는 방식은 시대에 따라 상이하게 나타났다. 무엇보다 이 글이 주목하고자 하는 것은 특정 문자가 우위에 있는 다이글로시아 현상으로서의 타이포그래피가 아닌, 바이링구얼리즘을 지향하는 양상으로서의 이중문자 체제다. 이를 통해 혼성적 자장 안에서 로마자와 양립해 나가는 한글 타이포그래피에 주목하고자 한다.
82쪽
AGI는 시대의 행간을 파악했고, 1980년대의 과제를 1990년대 후반에 계승하고 돌파해 나갔다. 이들은 1980년대 민주화 운동의 ‘행동주의’를 계승하되 1990년대를 지나오며 새롭게 발견한 일상성에 주목했다. 대의제로서의 ‘민주화’ 대신 일상에 밀착된 문제들이 대두되었다. 지하철 노조 파업에서부터 총선시민연대, 어린이 교육, 이주노동자 그리고 스크린쿼터제 폐지 반대 운동에 이르기까지 AGI의 행동은 민주화라는 거대한 우산을 지탱하는 살을 우선 살피는 방식이었다.
402쪽
기후위기와 불평등, 이 모든 문제에 기여한 것이 문명사회에서의 디자인이었다는 점은 부정할 수 없다. 이에 대한 해결 역시 디자인 안에 있음을 인지할 때, 페미니스트 디자인 방법론은 위태로운 지구를 구해내는 하나의 태도이자, 실천일 수 있다. 우리는 그 가능성을 FDSC의 활동을 통해 목격했다. 그리고 그들의 활동이 지금 이곳, 우리의 곁에 존재한다는 사실은 여전히 빛이 남아 있음을 말해준다. 새로운 언어는 이미 도착했다. 이제 더 많은 이가 그 언어를 사용하면 될 일이다.
535쪽

한글 타이포그래피와 출판, 디자인 행동주의를 통해 읽는 한국 그래픽 디자인의 역사와 시각문화 한국에 그래픽 디자인의 개념이 본격적으로 도입된 시기로 본 1970년대부터 2020년대까지의 한국 그래픽 디자인사를 세 가지 키워드, 즉 ‘한글 타이포그래피, 출판, 행동주의’를 중심으로 탐구한 책이다. 한국 출판 디자인의 연대기와 사례 모음, 디자인의 사회적 실천을 통해 한국 사회와 한국 시각 문화의 내면을 비평적으로 파고들고자 했다. 저자 전가경은 16년간 축적해온 디자인 문화 연구 사례와 글쓰기, 강의 경험을 집대성해 산발적으로 전개되어온 디자인 실천들의 문화적 좌표를 다시 설정하고자 한다. 특히 기존의 로마자 중심 타이포그래피 이론이나 유럽·일본 중심의 디자인사가 다루지 못한 ‘한글’과 한국의 출판문화, 행동주의적 실천을 세밀하게 읽어내고, 이와 연관해 문화적 의미를 추출한다. 첫 번째 축인 ‘한글 타이포그래피’ 장에서는 문자 조형이 단순히 시각적 조합에 머무르지 않고, 시대적 요구와 이데올로기 영향 아래 어떻게 형성되고 진화하고 있는지를 다룬다. ‘네모틀’ 안에 갇힌 한글 조판의 제약, 세벌식 자판을 둘러싼 역사적 논의, 1970~80년대 ‘조형적’ 타이포그래피 실험부터 오늘날 디지털 폰트 디자인에 이르기까지, 한글이라는 문자 체계는 끊임없는 기술적, 정치적, 심미적 교섭의 장이었다. 이러한 역사 속에서 디자이너는 조형가일 뿐만 아니라 문자와 언어 사이의 긴장을 감지하고, 새로운 질서를 제안하는 언어의 중재자이자 편집자로 등장한다. 두 번째 축인 ‘출판’에서는 디자이너가 편집자이자 기획자, 문화 생산자로 활동했던 역사를 복기하며 『뿌리깊은나무』 『샘이깊은물』 『마당』 같은 잡지를 통해 당시 지식인들과 디자이너들이 함께 만들어낸 문화적 지형도를 추적한다. 출판 디자인은 책의 표지나 지면 디자인일 뿐만 아니라 콘텐츠 구성과 기획, 언어와 시각 사이의 정치적 배치를 아우르는 총체적 문화 디자인으로 읽힌다. 특히 1980~90년대의 진보적 출판사들이 펼쳐낸 출판 단행본과 시리즈, 전시 도록 등은 ‘편집 디자인’의 미학적 실험이자 실천적 전략이었다. 세 번째 키워드인 ‘행동주의’에서는 디자이너가 사회적 의제를 시각 언어로 조직하고 퍼뜨리는 역할을 재조명한다. 2010년대 이후 본격화된 디자인 운동의 흐름, 예컨대 ‘일상의실천’ 디자인 스튜디오, FDSC(페미니스트 디자이너 소셜 클럽)의 활동은 디자인을 통해 사회에 말하고 개입하고 변화시키는 과정을 실천해왔다. 노동 문제, 페미니즘과 퀴어 이슈, 기후 위기 등 다층적 사회 현안에 대한 디자이너들의 대응과 연대는 오늘날 디자인의 역할과 정체성을 근본적으로 재정의하고 있다. 이 책은 그런 흐름을 단순히 ‘트렌디’한 디자인으로 소비하는 대신 운동의 계보학으로 접근한다. 『그래픽 크리틱』은 각 장을 시대순으로 배열하는 선형적 역사 기술에서 벗어나 역사의 복합적인 시간성을 인정하며 다양한 주제를 교차적으로 다뤘다. 이를 통해 단일 서사로 환원되지 않는 디자인사의 다중적 국면을 접하게 된다. 이는 디자인사를 보다 유연하고 확장적인 시간 개념으로 읽고 쓰려는 저자의 방법론적 제안이다. 즉, 이 책 또한 연구와 실천을 가로지르는 비평적 플랫폼으로서의 책에 대한 또 하나의 실험이기도 하다.